Gerardo Diego (Flickr)
•Abril 21, 2009 • Dejar un comentario
Matías Costa
•Abril 21, 2009 • Dejar un comentario
Matías Costa nació en Buenos Aires en 1973. Periodista por la Universidad Complutense de Madrid. Premio World Press Photo, Leica, Unicef y PhotoEspaña, entre otros. Becado por Fondation Hachette, Fundación La Caixa, Ministerio de Cultura y World Press Photo Fund. Tras su colaboración con El País y El Mundo, ha formado parte de la Agence VU en Paris y Panos Pictures en Londres. Trabaja en series a largo plazo, que son habitualmente publicadas en medios como The New York Times o Geo. Su obra está presente en colecciones de arte de varios países donde expone habitualmente su trabajo. Ver su Trabajo: www.nophoto.org
Roger Ballen, entre lo real y lo imaginado:”La cámara es el espejo interior de cada uno”
•Abril 21, 2009 • Dejar un comentario
El trabajo fotográfico de Roger Ballén (Estados Unidos, 1950) comenzó muy ligado al fotoperiodismo y a la idea de la imagen como forma de documentación.
Más tarde se instaló en Sudáfrica, donde retrató de forma cruda la soledad y la miseria social. Es aquí donde sus imágenes comienzan a adoptar un lenguaje más psicológico, a recrear atmósferas opresivas y a menudo desconcertantes.
En los noventa se aleja de la fotografía documental para explorar la ficción con imágenes compuestas en las que convive la hermosura y la angustia.
En ellas personas y animales aparecen en posturas inquietantes en composiciones formadas por alambres, sombras, sábanas, paredes manchadas, dibujos y desechos. Estas imágenes de tintes surrealistas comunican sensaciones de confusión psicológica y abandono físico.
Entre las monografías publicadas por Ballen destacan Boarding House (Phaidon, 2009), Shadow Chamber (Phaidon, 2005), Fact or Fiction (Galerie Kamel Mennour, 2003) y Outland (Phaidon, 2001).
Newton: el arte de la perversión
•Octubre 30, 2008 • Dejar un comentarioPerversión estilizada
El dueño de la revista no se lo podía creer. ¿Qué hacen esas mujeres masturbándose en mi revista, ahí tiradas en el suelo, mientras símbolos fálicos explotan tras las ventanas?. Era 1966, y al propietario de la revista Queen no le gustaron nada las fotografías que le presentó aquel descarado fotógrafo australiano de acento alemán. Helmut Newton (Berlín, 1920-Los Ángeles, 2004) está considerado hoy como uno de los mayores si no el mayor- retratistas del denudo femenino del siglo XX. Pero en los años sesenta era tan sólo un transgresor algo arisco que escandalizaba a las feministas. ¿Por qué? Porque adoraba el cuerpo femenino. Lo retrataba idealizado. Sus mujeres son amazonas de semblante germánico. Sofisticadas e inalcanzables. Subidas en tacones de aguja y enmarcadas en unos escenarios oníricos, tal como se puede apreciar en la veintena de instantáneas que se exponen hasta el 29 de noviembre en la galería La Fábrica, en Madrid
Onirismo sofisticado
“Mis fotos no son arte”
Él fue uno de los grandes renovadores de la fotografía del siglo XX, en la línea de Man Ray y Brassaï, pero forzando los límites. Aun así, Newton siempre fue reticente a considerarse un artista. La fotografía que hacen algunos sí es arte, indicó una vez, Pero las mías no. Yo tan sólo soy una pistola de alquiler. Junto al protagonismo de sus mujeres distantes, cobraban gran protagonismo los escenarios, que Newton disponía cuidadosamente. Parecían extraídos de una película de espías, quizá de una de James Bond, con todo su lujo y sofisticación. La sensación que transmitían, sin embargo, eran de una irrealidad inquietante, como de sueño. Esas composiciones fueron las que le llevaron a ser incluido en el arte surrealista, junto a Delvaux y Magritte, por novelistas como J. G. Ballard, autor de Crash.
La sensación que transmitían, sin embargo, eran de una irrealidad inquietante, como de sueño. Esas composiciones fueron las que le llevaron a ser incluido en el arte surrealista, junto a Delvaux y Magritte, por novelistas como J. G. Ballard, autor de Crash. Quién sabe si esos escenarios inquietantes remiten al bullicioso Berlín de entreguerras, el de la República de Weimar, en el que se crió el joven Newton (nacido Neustädter). De allí surgió el expresionismo y allí irrumpió también la militarización que impuso el ascendente Partido Nazi. El auge del nacionalsocialismo obligó a huir al joven Newton hacia Australia, donde se nacionalizó. Pero con toda probabilidad aquellos recuerdos de infancia permanecieron en el algún lugar de sus recuerdos. No lo olvides, todo lo que ocurre está en la cabeza, sentenció una vez, al discutir sobre la novela Historia de un sueño, de Arthur Schnitzler
El retratista de la alta costura
En Australia conoció a la que sería su mujer, la actriz June Brunell y abrió un estudio fotográfico. A finales de los 50 se traslada a Francia y en 1961 comienza a colaborar con ‘Vogue Francia’, a la que siguieron ‘Vogue USA’, ‘Playboy’, ‘Elle’ y ‘Marie Claire’, revistas en las que coincidió con fotógrafos como Herb Ritts, Irving Penn y Richard Avedon. Newton colaboró de forma muy estrecha con el diseñador Yves Saint Laurent. Ante su lente pasaron modelos como Veroushka, Jerry Hall, Claudia Schiffer, Naomi Campbell y famosos como Elizabeth Taylor, Charlotte Rampling, Paloma Picasso, David Lynch, Isabella Rossellini y Madonna, entre otras. Helmut Newton falleció en Los Ángeles en un accidente de automóvil en 2004, tras sufrir un paro cardiaco al volante
el pais.com
Trece joyas de España, por José Manuel Navia
•Octubre 21, 2008 • Dejar un comentario
Desde el pasado 18 de septiembre de 2008 y hasta el otoño de 2010 una exposición itinerante con fotografías de Jose Manuel Navia recorrerá las trece ciudades españolas declaradas Patrimonio de la Humanidad: Alcalá de Henares, Ávila, Cáceres, Córdoba, Cuenca, Ibiza, Mérida, Salamanca, San Cristóbal de la Laguna, Santiago de Compostela, Segovia, Tarragona y Toledo.
El proyecto del Grupo Ciudades Patrimonio de la Humanidad de España, está patrocinado por Caja Duero y organizado por La Fábrica, por este motivo La Fábrica Editorial publica el libro Ciudades Patrimonio de la Humanidad. Trece Joyas de España, prologado por S.A.R. la Infanta Doña Cristina y el escritor GustavoMartín Garzo.
Este libro en edición bilingüe, descubre un emocionante retrato de las trece ciudades patrimonio a través de 210 fotografías de José Manuel Navia. Todas estas ciudades son modelos de diversidad y riqueza cultural y concentran un patrimonio fruto de un enriquecedor pasado histórico protagonizado por las culturas que en ellas convivieron.
Este proyecto, destaca el valor único y excepcional de estas ciudades a través de un recorrido en imágenes de la mano del fotógrafo Navia. Partiendo de la tradición romántica de viaje cultural, Navia descubre rincones al azar, su mirada intimista y poética se adivina en cada una de las imágenes, esforzándose por trascender las clásicas postales de nuestro paisaje. Fotografías tomadas a distancia, para acercarse a la humanidad que hay tras la piedra. Destacado por ser un maestro en el empleo del color y del encuadre, Navia invita a recorrer calles, murallas, objetos, paisajes y personas.
La exposición recorrerá las trece ciudades en el siguiente orden:
ÁVILA. Del 18 de septiembre al 26 de octubre 2008.
SALAMANCA. Del 6 de noviembre de 2008 al 11 de enero de 2009.
CUENCA. Del 20 de marzo al 12 de abril de 2009.
ALCALÁ DE HENARES. Del 23 de abril al 24 de mayo de 2009.
TARRAGONA. Del 5 de junio al 12 de julio de 2009.
IBIZA. Del 30 de julio al 6 de septiembre de 2009.
TOLEDO. Del 24 de septiembre al 8 de noviembre de 2009.
CÓRDOBA. Del 19 de noviembre de 2009 al 10 de enero de 2010.
MÉRIDA. Del 14 de enero al 21 de febrero de 2010.
CÁCERES. Del 3 de marzo al 25 de abril de 2010.
SAN CRISTÓBAL DE LA LAGUNA. Del 13 de mayo al 27 de junio de 2010.
SANTIAGO DE COMPOSTELA. Del 8 de julio al 5 de septiembre de 2010.
SEGOVIA. Por determinar.
osé Manuel Navia (Madrid, 1957). Licenciado en Filosofía (1980). Es un fotógrafo que evoluciona desde su trabajo como reportero hacia una fotografía más personal y demorada al que, además, le obsesiona la capacidad de la fotografía para sugerir historias, y su relación con la literatura.
Colaborador en los más destacados medios de prensa, es miembro de la agencia Vu (París) desde 1996. Ha publicado en diferentes colecciones, siendo sus libros y exposiciones los que dan cuenta de sus imágenes, tales como: la monografía Navia (PhotoBolsillo), Pisadas sonámbulas: lusofonías, Marruecos, fragmentos de lo cotidiano, Desde la catedral, Territorios del Quijote, Viaje a la Historia, Antonio Machado, miradas; así como las exposiciones y libros colectivos Vu’15 ans, Viaje a Madrid, Diez Miradas, 100 fotógrafos españoles Visiones de Marruecos o Agence VU galerie.
Verdaderamente esta exposición es única, y sería imperdonable perder la oportunidad de ver las magníficas fotografías de un gran fotógrafo como es Jose Manuel Navia.
Los hijos del desconsuelo, un libro imprescindible de Álvaro Ybarra
•Octubre 21, 2008 • Dejar un comentario
Desde el momento en que supe que Álvaro Ybarra Zavala había publicado en 2006 un libro con sus fotografías, me propuse encontrarlo y adquirirlo. Hoy hace ya dos días que lo tengo en mis manos y ya me siento en la necesidad de recomendarlo a todo el que busque fotoperiodismo con alma propia.
“Sin duda todos ustedes podrán comprender la responsabilidad que uno adquiere cada vez que dispara su cámara. Una responsabilidad que no es cuantificable ni en dinero ni explicable en palabras, pero que sin embargo todos nosotros, como seres humanos, entendemos. Como fotógrafo siempre he sabido que con la fotografía tenía que lograr que esas personas que confiaban en mí fueran escuchadas. Siempre tendrían que ser ellos los que contaran su historia y mi cámara sólamente una ventana hacia el resto del mundo por la que ellos se hicieran escuchar. Una ventana que pretende materializarse en “Los hijos del desconsuelo”.Álvaro Ybarra, agosto de 2005.
No os lo voy a ocultar. Me cautiva el fotoperiodismo que te cuestiona, y me enganchan esos blancos y negros que, aunque ricos en detalles, saben llamar tu atención sobre lo esencial y acercártelo. Este libro es así, y ya ocupa un hueco en la estantería al lado de los de Sebastiao Salgado.
Ybarra Zavala recorre el mundo retratando sus realidades: los desplazados y refugiados de Sudán, el avance del SIDA en la India, el trabajo infantil en las minas de Bolivia, los indígenas en el conflicto colombiano, el cáncer infantil y la identidad de los indígenas en América Latina, el difícil acceso a medicamentos esenciales en la República Centro Africana, el conflicto de Chechenia, los refugiados que perdieron su lugar en Georgia, y la crisis humanitaria en Uganda.
El libro, editado por ACNUR y Silvia Pérez, con numerosas ONGs colaboradoras, es grande (27,5cm x 23,5cm), de tapas blandas, y más de 200 páginas. La impresión es de gran calidad y tal vez lo único que se le pueda criticar es que, junto a fotografías que ocupan toda la página hay otras que, supongo que por cuestiones de diseño en la maquetación, tienen menor tamaño del que merecen. Se puede adquirir por sólo 20€, con el aliciente adicional de que esa cantidad de dinero irá íntegramente destinada a ACNUR, la Agencia de las Naciones Unidas para los refugiados.
Ya hace meses que sigo la pista del trabajo de este joven fotógrafo bilbaíno, pero tras ver y respirar una obra como ésta, no sólo dan ganas de cruzar los dedos para que publique otro libro más, sino también de preguntarle sobre qué le mueve a hacer estas fotografías y a retratar esas personas y momentos del modo en que lo hace. Si este es su primer libro y tiene aún tanta carrera por delante, algo me dice que podemos esperar grandes cosas.
El archivo de las 2.000 imágenes
•Octubre 21, 2008 • Dejar un comentarioHacia la utopía fotográfica
Cerca de 2.000 imágenes, de entre 1851 y 2008, de artistas como Lewis Hine, Cartier-Bresson o de los catalanes Francesc Català-Roca y Xavier Miserachs, se podrán ver a partir de mañana en el MACBA en una poliédrica exposición en la que se indaga y se interpela sobre la noción de documento fotográfico. El director del MACBA, Bartomeu Marí, y el comisario de la muestra, Jorge Ribalta, junto con el comisario, Joan Roca, han presentado hoy ‘Archivo Universal. La condición del documento y la utopía fotográfica moderna’, que contiene algunas imágenes inéditas, provenientes de 130 instituciones de todo el mundo, de 250 autores diferentes. En la imagen, Construcción del monumento a Colón, de Antoni Esplugas.
Vistazos a la gran ciudad
Marí ha sostenido que se trata de una “exposición de tesis”, centrada en la fotografía relacionada con la gran ciudad, y que sirve para formular dos grandes preguntas: “¿Qué sentido tiene en la actualidad el documento fotográfico?” y “¿Cómo nos relacionamos con los lugares y con aquello que las imágenes representan?”. El montaje se despliega a lo largo de dos plantas enteras del Museo, reconociendo sus organizadores que se necesita más de un día para digerir todo lo expuesto, una narración de la historia de la fotografía, que se cierra con ‘La Misión Fotográfica Barcelona 2007′, en el que 16 autores distintos aportan “miradas nuevas” de la ciudad del futuro. Para recordar la gran ciudad, de hoy y de siempre, sólo hay que echar un vistazo a ‘Pine and Henryt streets, Manhattan’ (en la imagen), de Berenice Abbott.
Miradas hacia la mujer del siglo XX
•Octubre 21, 2008 • Dejar un comentario
MADRID.- Es la representación femenina en toda su plenitud y extensión: mujeres famosas y anónimas, guapas y feas, luchadoras, glamurosas y amas de casa, todas juntas en una exposición. ‘Mujeres en Plural’, recién inaugurada en la Fundación Canal, recoge 98 fotografías, de 58 autores, de los que 19 son mujeres.
“Los cambios conseguidos por la mujer en el siglo XX representan la mayor revolución de los últimos 100 años. Esta exposición es la unión entre los mayores fotógrafos del siglo con el tema más grande“, ha explicado la comisaria, Lola Garrido.
Están los retratos, las fotografías de moda y los posados, también las más abstractas —unos tacones o unas piernas— y las espontáneas. “Quiero que estas imágenes reflejen el mundo, que representen a las mujeres en todas sus vertientes. La moda está muy presente, porque es el gran retrato de las mujeres, el que les imprime fuerza y carácter, pero no hay sólo iconos de belleza”, ha añadido la comisaria.
La exposición presenta fotografías del género documental, del fotoperiodismo y de la fotografía de moda. Artistas como Berenoce Abbott, Man Ray, Rodchenko, Cartier-Bresson o William Klein, cuelgan de las paredes de la Fundación Canal hasta el día 4 de enero de 2009.
‘Mujeres en plural’ incluye también una muestra de retratos anónimos y de pequeño formato que representan a la mujer en su faceta más familiar e íntima. Capturan lo cotidiano, sin poses ni un concepto claro.
“Es una exposición que refleja el mundo y la vida de las mujeres. No hay sólo mujeres guapas y famosas. También las hay desconocidas y eso es lo que pretendemos con la exposición, que sea una representación de todas las mujeres”, ha dicho Lola Garrido.
El resultado es una mirada general hacia un mundo femenino repleto de sutilezas y abierto a todo tipo de interpretaciones.
Thomas Dworzak
•Octubre 21, 2008 • Dejar un comentarioThomas Dworzak (Cham, Alemania, 1972). Fotógrafo alemán.
Comenzó a trabajar profesionalemnte como fotografo durante diversos viajes por países de Europa del Este y Oriente Medio cuando aún realizaba estudios secundarios. Residió un tiempo en Ávila (España), Praga y Moscú, fijando finalmente su residencia entre esta última ciudad y París. Al principio de la década de los 1990s se trasladó como reportero de guerra a Yugoslavia para cubrir la guerra que allí tenía lugar por la desintegración de la república. Más tarde se desplazó a Tiflis en Georgia donde cubrió el conflicto checheno hasta 1998.
En 1999 viajó a Kosovo, territorio que conocía de su anterior viaje a Yugoslavia ocho años atrás, para atender el conflicto de la zona y los ataques de la OTAN, para distintos medios y agencias de noticias estadounidenses. Continuó después con los conflictos de toda la región del Cáucaso y Macedonia. A raíz de la Guerra de Irak, se desplazó por oriente y trabajó en Kuwait, Jordania, Afganistán y Pakistán.
Trabaja para diarios como el The New York Times, Paris Match y el New Yorker entre otros. Ha ganado varios premios de prestigio internacional como el World Press Photo y el Premio Kodak y es miembro de la Agencia Magnum.
W. Eugene Smith
•Junio 1, 2008 • Dejar un comentario
Su obra ha tenido gran importancia en el siglo XX, y ha iluminado a sucesivas generaciones de fotógrafos/as. Su fuerte fueron los fotorreportajes, a los que dedicaba un esfuerzo e intensidad impresionante. De todos los trabajos, el más importante y el que seguramente le hizo más famoso fue el que realizó sobre España concretamente sobre un pueblo extremeño llamado Deleitosa.
Este reportaje de 17 fotografías se publicó bajo el título de Spanish Village: It Lives in Ancient Poverty and Fait, el 9 de abril de abril de 1.951, en la revista ilustrada Life. Este trabajo suscitó una considerable admiración en muchos países, mientras que fue objeto de censura por la dictadura franquista.
Hasta la exposición sobre Eugene Smith que tuvo lugar en el Museo Nacional de Arte de Catalunya (MNAC) de Barcelona en la primavera de 1.999, sus fotos, concretamente las de su viaje a España y las del pueblo de Deleitosa, nunca habían sido mostradas en público. Ha sido necesario el transcurso de medio siglo para acceder a la visión gráfica de la España de los años 50, un ejercicio de memoria histórica hasta entonces inédito.
W. Eugene Smith nace el 30 de septiembre de 1.918 en Wichita (Kansas) con una trayectoria profesional labrada en diversos fotoreportajes desde 1.934. En 1.937 se traslada a Nueva York y entra a trabajar en la revista Newsweek. Durante la II Guerra Mundial es nombrado corresponsal de guerra en la revista Flying. Anteriormente realiza fotografías destinadas a explicar la opinión pública americana la entrada en guerra de los Estados Unidos, en la revista Parade.
Participa en numerosas salidas aéreas y es testimonio de la vida a bordo de los portaaviones estadounidenses. Cubre la batalla de la isla de Saipan con una óptica novedosa: gira la cámara para fotografiar los efectos devastadores que la guerra produce sobre la población civil. Participa en el desembarco de los marines en Okinawa, “Americans Battle forOkinawa” (1.945).
Las fotografías de Smith sufren cambios a lo largo de su trayectoria. Si en un principio respondían a los cánones clásicos, a medida que transcurre el tiempo van adquiriendo un contenido más trágico. En 1.948, acabada la II Guerra Mundial, realiza un reportaje sobre la vida cotidiana de un médico rural “Country Doctor”. A su vuelta de España (1.951), Smith propone a Life un trabajo sobre una partera negra, Maude Callen, en el sudoeste de los Estados Unidos “Nurse Midwife”.
En 1.955 se incorpora a la agencia Magnum, iniciando el proyecto fotográfico sobre la ciudad de Pittsburgh (1.955 / 1.956). Al final de su carrera realizó el mundialmente conocido reportaje sobre la contaminación de la ciudad de Minamata, en Japón, “Death Flow for a Pipe” entre los años 1.971 y 1.975. Muere el 15 de octubre de 1.978 a causa de una hemorragia cerebral.
En 1.950 la revista americana Life tenía la intención de publicar un reportaje sobre los problemas de aprovisionamientos de alimentos en la España franquista. Life obtiene la autorización del gobierno español con cierta celeridad. Se trata de una revista de reconocido prestigio internacional con varios millones de tirada mensual. El gobierno de Franco consideró que un documental fotográfico visibilizaría los efectos que el bloqueo internacional producía sobrelos españoles/as.
Eugene Smith entra en Hendaya el 5 de mayo de 1.950. Viene acompañado por su ayudante, el fotógrafo norteamericano Ted Castle, y una intérprete francesa que hablaba español e inglés, Nina Peinado. El fotoreportaje debía reflejar el régimen. Pero la intencionalidad de Smith era política, como buena parte de sus reportajes : “voy a intentar entrar en un pueblo español a fin de describir la pobreza y el miedo engendrado por el régimen franquista. Espero realizar el mejor reportaje de mi carrera” parafraseando las misivas que escribía a su madre. “Un pueblo Español”- más exactamente “Spanish Village: It Lives in Ancient Poverty and Faith” – es el título del reportaje más famoso de la historia de España. Deleitosa es el destino final de un largo viaje por España.
En su travesía durante 63 días,incluye lugares como Guernika, Lekeitio, Pueyo, Cervera, Castellgalí, Barcelona, Valencia, Buenache de Alarcón, Toledo, Madrid, Valverde, Almagro, Moral de Calatrava, Valdepeñas, Carboneros, Huétor, Tajar, Rofrío, Málaga, Benamejí, Encinas Reales, Lucena, Córdoba, Carmona, Olivares, La Palma del Condado, Mérida, Miajadas, Santa Cruz de la Sierra, Talavera de la reina, Trujillo, Jaraicejo, y finalmente Deleitosa. En total realizó 2.201 fotografías de las cuales 1.575 corresponden al pueblo de Deleitosa en la provincia de Cáceres.
Existen varias versiones sobre la elección del lugar para la realización del reportaje. Smith buscaba un pueblo cualquiera, una comunidad que expresase de forma sintética su idea de España. A Nina Peinado le llamó la atención el nombre de “Deleitosa” que probablemente tradujo de Delightful, un lugar delicioso. Irónicamente el origen del nombre del pueblo se refiere a “delito”, lugar donde se ajusticiaban a los reos.Otra versión considera que el artículo de “Meditación ante un pueblo sin nombre” de Gómez de la Serna, publicado en el periódico Abc en mayo de 1.950, inspiró a Smith a buscar el pueblo en la región de Extremadura.
La combinación de las circunstacias anteriores, el cansancio acusado por las precarias condiciones en que se encontraban las vías de comunicación y el tiempo y los recursos invertidos hasta el momento confluyen en la elección de Deleitosa como pueblo laboratorio para desarrollar las intenciones del fotógrafo.
